La Escultura Griega El Clasicismo
Tomás Pérez Molina
LA ESCULTURA GRIEGA.LA EVOLUCIÓN DEL IDEAL DE BELLEZA A TRAVÉS DE LA ESCULTURACARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA GRIEGA: Las raíces de la escultura griega son orientales y presentan una clara influencia egipcia. Los contactos económicos favorecieron el influjo de las formas plásticas del país del Nilo sobre el arte griego, pero la constante evolución de éste, hizo que pronto se distanciara de los modelos iniciales, creando un mundo de formas nuevo y original. Los artistas griegos partieron de lo ya realizado por asirios, babilonios y egipcios para desarrollar su propio lenguaje, definido por una permanente búsqueda de nuevas soluciones para plasmar la figura humana. La escultura es el lenguaje que mejor plasma la búsqueda de los artistas griegos por alcanzar y plasmar sus ideales de belleza, expresión, movimiento y volumen.
Ver:
http://www.slideshare.net/tomperez/el-arte-griego-la-escultura-general-y-arcaica?ref=http://tom-historiadelarte.blogspot.mx/search/label/ARTE%20GRIEGO
· Las etapas o periodización establecida es la misma que ya hemos planteado para la arquitectura:
· Periodo Arcaico: hasta el s.V a de C.
· Periodo Clásico: s. V-IV a de C.
· Periodo Helenístico: fines s.IV a. de C. y hasta la conquista romana (s. I a de C.)
Los ideales griegos de belleza se plasman en la representación de la figura humana como encarnación de la belleza física y el equilibrio espiritual. La belleza se concibe como medida, proporción entre las partes. De esta concepción surge la necesidad de elaborar un “Canon anatómico”. La anatomía humana se representa de forma armoniosa e idealizada. Estamos, por tanto, ante la plasmación del IDEAL DE BELLEZA ANTROPOMÓRFICA. La representación del cuerpo humano desnudo se convierte en el eje temático de gran parte de la estatuaria griega.
El artista griego busca la expresión, entendida como la exteriorización de los sentimientos; en la expresión se funde la dimensión espiritual del hombre con su cuerpo. Pero se trata, también, de una EXPRESIVIDAD IDEALIZADA, donde sólo cabe la quietud y la serenidad de ánimo, el equilibrio perfecto entre la belleza física y la belleza espiritual. Será en la época helenística cuando el artista rompa este corsé expresivo para plasmar los sentimientos humanos de forma realista y menos idealizada.
El artista griego, partiendo de la rigidez y el estatismo oriental que evidencian las primeras esculturas del período arcaico (Kouroi y Korés), tratará de REPRESENTAR EL MOVIMIENTO. Ensayará todas las posibilidades plásticas del dinamismo: figuras que se doblan para adaptarse al marco arquitectónico (muros, frontones, etc.), grupos donde las figuras se relacionan de forma dinámica; representación de la tensión muscular, la flexibilidad de los miembros, la agilidad, etc. La representación del movimiento reforzará los valores expresivos de la escultura.
El artista griego se mostrará profundamente preocupado por laREPRESENTACIÓN DEL VOLUMEN. Pronto romperán con la frontalidad egipcia. Concebirán la escultura como una forma que debe ser contemplada desde todos los ángulos y puntos de vista posibles. La conquista del volumen desplazará a la representación plana de épocas anteriores. De ahí que la mayor parte de la escultura griega sea exenta (salvo los frisos con relieves de los muros o los conjuntos de los frontones).
Estos valores no son estáticos ni están predefinidos en la escultura griega, son el resultado de su incesante búsqueda de la belleza, de su formal representación.
Los MATERIALES empleados por los artistas griegos son: la piedra caliza (tallada) en la época arcaica y el bronce (modelado a partir de la técnica de la cera perdida) y el mármol blanco en la plenitud del clasicismo. Muchas de las obras griegas que conocemos nos han llegado a través de copias romanas en mármol de originales en bronce.
Ver:
http://www.slideshare.net/tomperez/la-escultura-griega-el-clasicismo?ref=http://tom-historiadelarte.blogspot.mx/search/label/ARTE%20GRIEGO
LA EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA
EL PERÍODO ARCAICO (s. VII-VI a de C.).
· Las creaciones más representativas de este período don los llamados KOUROI O KURÓS (jóvenes atletas desnudos) y las KORÉ (mujeres vestidas, sacerdotisas).
· La escultura de esta época presenta cierta unidad de estilo, a pesar de la diversidad de centros artísticos. El desnudo masculino se convertirá en uno de los convencionalismos básicos del arte griego, al representar el ideal de belleza antropomórfica que anima toda la escultura.
Descripción de un KÓUROI O KURÓS (convencionalismos formales de esta época) El punto de partida: la concepción egipcia: rigidez y frontalidad. Monumentalidad.
· Las figuras se presentan con los brazos pegados al cuerpo y la pierna izquierda ligeramente adelantada. Son como bloques cerrados, de donde la figura humana apenas puede desprenderse.
· Simetría en la composición, evitando torsiones y giros de la figura.
· Disposición geométrica de los cabellos.
· Ojos almendrados y globulares.
· Rigidez de las articulaciones.
· Sonrisa arcaica.
· Representación naturalista de la figura humana: modelado de los músculos, tratamiento de las rodillas.
· Hay una clara tendencia geometrizante en todas las soluciones aplicadas.
· Evolución: los artistas, preocupados e interesados por la vida, buscan nuevas maneras de representar lo que ven con los ojos, no se trata de representar un concepto (Egipto), sino aquello que nuestros ojos ven; de ahí la inevitable evolución naturalista que se aprecia. Cada artista quiere representar el cuerpo humano como lo ve.
Descripción de una KORÉ· Se trata de una estatuaria votiva (figurillas de terracota o piedra que se depositaban en la tumba a modo de ofrenda), de pequeñas dimensiones.
· El cuerpo humano casi se reduce a un tablero de mármol, con un leve estrechamiento a la altura de las caderas y un ligero abultamiento en el pecho. El carácter de bloque cerrado es aún más evidente.
· Son figuras poco expresivas, con una tendencia a la idealización estática.
· Su cabellera está formada por rígidas guedejas. Sigue la moda egipcia de representar la cabellera en diferentes pisos.
· Las doncellas que presentan el peplo dórico (paño de lana decorado que cubre las figuras a modo de toca), se conciben de forma simétrica y escasez de pliegues. Tienen un aspecto más rígido. Las que portan el peplo jónico (asimétrico), muestran mayor dinamismo, por el uso de las diagonales y los pliegues abundantes.
· El geometrismo es, como en el caso de las figuras masculinas, el rasgo más característico de estas imágenes.
LA TRANSICIÓN AL CLASICISMO: EL CAMINO HACIA LA PERFECCIÓN. Esta transición está impulsada por los relieves que se realizan en torno al año 500 a de C. en los frontones de los templos de Egina y Olimpia. Son muestras de escultura compositiva, donde las figuras comienzan a acoplarse al espacio arquitectónico, preludiando ya la integración de la escultura en la arquitectura. Estos relieves son un ejemplo del avance hacia formas naturalistas, la representación moderada de los sentimientos, con integración de ritmos compositivos. En ellos las figuras adoptan actitudes naturales, pero aún rígidas, contrarrestadas por los primeros apuntes de movimiento. Esta mayor flexibilidad se completa con una mayor variedad temática.
· En el llamado TRONO LUDOVISI apreciamos ya la pérdida de la rigidez arcaica: los cuerpos se doblan y adquieren una ondulación flexible. Los paños ofrecen suaves transparencias que dejan ver el cuerpo femenino.
· La obra maestra (conservada) de este período es el AURIGA DE DELFOS, obra realizada en bronce y que data de 474 a de C. (OBRA COMENTADA EN EL LIBRO). El artista logra crear una tensión entre los elementos arcaizantes, estáticos, y elementos nuevos. La postura inmóvil y la rigidez de los pliegues verticales de la parte inferior recuerdan al fuste dórico. Pero muestra aspectos de una viveza inédita: la simetría queda rota por el brazo que se proyecta hacia adelante sosteniendo las riendas del carro. La cabeza, esférica, gira levemente a la derecha. El rostro expresa toda la fuerza interior a través de los ojos (incrustados de esmalte y ónix), llenos de vida, acentuada por la policromía de los labios, aunque dentro del idealismo característico de la estatuaria griega.
LA PLENITUD CLÁSICA (S. V-IV a de C.)
Es la “Edad de Oro” del arte griego, la época de plenitud, en la que se elaboran los tipos más representativos del ideal de belleza clásico. Es el siglo de Pericles, el arconte que gobernó Atenas en su esplendor político y económico, y que trasladó al arte la grandeza de la Polis capital del Ática. Como en arquitectura, será la acrópolis ateniense la que mejor canalice el talento de los grandes escultores griegos de esta época, que acuden a la ciudad atraídos por las oportunidades que brinda el programa edilicio del estado ateniense.
El ideal de belleza no presenta sólo una dimensión física sino, sobre todo, una profunda dimensión espiritual. La proporción y el equilibrio son el fundamento de la virtud ciudadana que alcanza su mejor expresión en el triunfo del sistema democrático ateniense.
PRINCIPALES AUTORES Y OBRAS MÁS REPRESENTATIVAS DE LA ÉPOCA CLÁSICA
MIRÓN: “EL DISCÓBOLO” Copia romana en mármol del original en bronce. 450 a de C.
· Es la expresión del interés por la representación del cuerpo humano en movimiento.
· La figura humana se representa ya por sí misma, no como un exvoto o representación de la divinidad.
· El discóbolo o lanzador de disco, desarrolla su movimiento en un instante fugaz. La composición es muy atrevida, curvilínea en espiral, contrapesada por las líneas quebradas de brazos y piernas. Esta composición multiplica los puntos de vista, logrando transmitir la sensación de instantaneidad.
· El estudio anatómico: músculos perfectamente definidos, aunque algo planos. Estamos casi a un paso de la perfección, pero aún no se ha logrado la plenitud anatómica de esculturas posteriores.
· A pesar del dinamismo compositivo, la obra es bastante inexpresiva, no hay relación alguna entre la tensión muscular y el esfuerzo físico que se le supone al atleta en el momento de máxima concentración y la expresión del rostro, que parece ajeno a lo que el cuerpo ejecuta.
POLÍCLETO (El teórico de la anatomía humana) Su máxima preocupación son las proporciones del cuerpo humano y la ponderación de sus masas en las actitudes. Teoriza sobre ello en su obra: “El Kanon” (La Norma). Para este gran escultor la belleza reside en la armonía (Symetria) del cuerpo humano.
“EL DORÍFORO” (copia en mármol del original en bronce) 450-440 a de C.
· Joven portador de lanza (lancero) ¿Aquiles?
· La representación del cuerpo humano alcanza su plenitud. El joven es un perfecto estudio de la anatomía humana (idealizada), en estado de perfección y plenitud.
· La belleza es un juego sutil de proporciones. El “Canon” : las dimensiones de la cabeza representan 1/7 parte del cuerpo. La geometría determina ciertos criterios en la representación y composición de la figura humana: el pliegue inguinal (un semicírculo) y el tórax, son sendos segmentos de circunferencia cuyo centro sería el ombligo.
· La cara se divide en tres partes: frente, nariz y boca. Todo está medido, todo es proporcionado. La belleza es, por tanto, proporción y armonía entre las partes.
· La cabeza es una esfera perfecta a la que se adapta el cabello. La esfera representa la perfección y la racionalidad.
· La composición es asimétrica: el contraposto (ligera curvatura de la cadera y pierna izquierda adelantada). Perfecta plasmación del equilibrio físico y espiritual. Un equilibrio dinámico que logra llenar el vacío a su alrededor y multiplicar los puntos de vista.
“EL DIADÚMENO”
· Obra de similares características a la anterior. Estudio de la anatomía humana.
FIDIAS (El creador de los prototipos que representan el ideal de belleza clásico. El escultor de los dioses)
La obra y vida de Fidias está ligada a Pericles y al esplendor de Atenas. Dirige las obras del Partenon y es el responsable de los conjuntos escultóricos que decoran los frisos de los muros, los conjuntos escultóricos de los frontones y las metopas. Su fama se basa en la grandeza de su escultura de la diosa Palas Atenea, de tipo crisoelefantino, las obras del partenón y una representación de Zeus olímpico.
· En su obra destaca: la belleza serena de los rostros, la flexibilidad y transparencia de los paños, la combinación de equilibrio y vida. La serena grandiosidad de las figuras, exquisitas en sus proporciones.
· Los relieves del partenón son su mejor legado.
· Los frontones destacan por su sabia composición y la belleza y grandiosidad de las actitudes.
· La técnica de los paños mojados, apreciable en el tratamiento de las túnicas que cubren los cuerpos de las jóvenes atenienses de la “Procesión de las Panateneas”o de “Victoria atándose la sandalia”. Esta técnica acentúa el juego de la luz resbalando por la superficie delicada del mármol, hace más sutiles a las figuras, que emanan una poderosa sensualidad.
EL CLASICISMO TARDÍO (mediados del s.IV a de C.) Superado el momento de plenitud del clasicismo, se produce una tendencia a la barroquización de las formas escultóricas, a la estilización de los cánones, y la pérdida de la férrea ortodoxia del absoluto equilibrio, armonía y proporción. Este fenómeno es paralelo al momento histórico que vive Grecia y, singularmente, Atenas. La crisis de la Democracia ateniense y el preludio de las Guerras del Peloponeso, se anuncian ya en el dramatismo expresivo que la escultura muestra en esta época de mediados del s. IV a de C. El creciente realismo se manifiesta en el mayor cultivo del retrato como género. Existe un mayor afán por expresar los sentimientos humanos. Los temas religiosos se tratan de forma más cotidiana, con mayor escepticismo. Aunque perdura el idealismo clásico, los escultores buscarán nuevas formas o prototipos de belleza ideal. De esta época destacan los escultores: Praxíteles, Scopas y Lisipo.
LISIPO
Con su obra “EL APOXIOMENOS” , crea un nuevo canon de belleza masculina, más alargado, más esbelto que el de Polícleto. La cabeza es ahora 1/8 parte del cuerpo. Alargamiento de las piernas y menor volumen de la cabeza. En cuanto al asunto o tema representado: ya no es el atleta triunfador, ni recoge el instante de máxima acción, como el Discóbolo, es un momento posterior a la competición, nada heroico, cuando el atleta se limpia con un strigilo el polvo de la palestra que ha quedado pegado a su piel, recubierta previamente de aceite. Se crea una nueva dimensión espacial, al avanzar los dos brazos. La frontalidad ha desaparecido totalmente y la escultura parece invitar al espectador a girar en torno suyo, para verla desde diferentes puntos de vista.
Otras obras del autor: ARES LUDOVISI, HÉRCULES FARNESIO.
SCOPAS
Su obra supone la crisis de la serenidad de Fidias. Sus figuras se contorsionan con violencia. Destacan: MÉNADE FURIOSA, ESTATUTA DE MAUSOLO.
PRAXÍTELES
En sus obras los dioses aparecen como seres humanos de formas graciosas y blandas, desprovistos de la majestad y la seriedad de épocas anteriores. Sus figuras tienen una expresión vaga y soñadora. El autor se sirve de la llamada “curva praxiteliana” que proporcionan languidez al cuerpo al apoyar indolentemente el brazo mientras la cadera se curva. En el rostro utiliza el “esfumato”, puliendo la superficie del mármol, sobre todo las cejas y los ojos. Estos dioses nos transmiten nos estados melancólicos del alma, la intensa nostalgia, o el mundo de ensueño en que éstos habitan. Sus obras más destacables: HERMES DE OLIMPIA, VENUS DE ARLÉS.
LEOCARES
Considerado el autor del APOLO DE BELVEDERE.
En síntesis, podemos afirmar que se ha producido una evolución hacia el abandono de la serenidad y el equilibrio de la época de Pericles El arte se adentra en el mundo más sensible y menos racional de los sentimientos, las emociones y los estados de ánimo, en una tendencia que culminará en el período helenístico y seguirá evolucionando una vez que Roma conquiste oriente.
ALGUNOS TEXTOS PARA COMPRENDER MEJOR LA ESCULTURA GRIEGA
SOBRE LA ESCULTURA EN LA ÉPOCA ARCAICA
"El origen de la escultura en Grecia está unido a un personaje legendario, "Dédalo", al que se le considera padre de las artes. "Es un ateniense, perteneciente a la familia real, que tiene su origen en Cécrope, prototipo del artista universal, arquitecto, escultor y pintor e inventor de recursos mecánicos. Se le atribuyen en la antigüedad las obras de arte arcáicas (...).
Así, se le atribuyen obras como la Dama de Auxerre, a la que se le califica de estilo Dedálico y que será el punto de arranque en el estudio de las Korai.
Ved aquí la verdad: Los escultores e imagineros de la época ejecutan los pies y las manos de manera simétrica y unidos al cuerpo. Sin embargo, Dédalo fue el primero que realizó una estatua con un pie en actitud de avanzar. Por esto la gente solía decir: "Dédalo no sólo ha conseguido que la estatua se aguante de pie, sino también que camine..."
En VVAA: Fuentes y documentos para la Historia del Arte. Gustavo Gili. Barcelona 1982. Págs 273-274.
Respecto de la primera figura (Kouros. Metropolitan Museum New York. Hacia el 600 a.c.) Mármol. Dice R. Wittkower :
“Los perfiles de una figura como ésta revelan la forma que tenía el bloque original. Frente a la obra ya terminada tenemos una seguridad aún mayor de que, mientras trabajaba en la parte anterior, en la posterior y en los lados, el escultor tuvo que orientarse en todo momento por las figuras que antes de empezar dibujara en el bloque : al enfrentarse a cada una de las caras de sus estatuas, el escultor griego de esta época razonaba como un delineante (...). La consecuencia es que la estatua tiene necesariamente cuatro vistas bien diferenciadas (...)
Una figura así está lejos de ser una obra realista en el sentido moderno de este término, pese a lo cual posee una asombrosa vitalidad, esta rebosante de la energía de la vida. Tiene además una superficie de calidades suaves y cálidas, casi aterciopeladas. Ello se debe no solamente a las características del mármol griego, sino también (...) a las infinitas muescas producidas por el puntero que, aunque luego se las suavice por medio de abrasivos, crean, por así decirlo, una serie de vibraciones bajo la superficie, que evocan la sensación de una piel palpitante”.
WITTKOWER,R : La escultura procesos y principios Alianza. Madrid 1987 (1977), pág 25
SOBRE EL "CANON" (más completo que el que podéis hallar en el libro de texto)"La belleza reside, no en la proporción de los elementos constituyentes, sino en la proporcionalidad de las partes, como entre un dedo y otro dedo, y entre todos los dedos y el metacarpo, entre el carpo y el antebrazo y entre el antebrazo y cl brazo, en realidad entre todas las partes entre si, como está escrito en cl Canon de Polícleto. Para enseñarnos en un tratado toda la proporción del cuerpo, Polícleto apoyó su teoría en una obra, haciendo la estatua de un hombre de acuerdo con los principios de su tratado y llamó a la estatua, como al tratado, Canon.
No por casualidad, uno de los maestros griegos de la época, el escultor Polícleto, se ganará el título de «grande» de sus contemporáneos más por el canon —el sistema de relaciones matemáticas establecido entre todas las partes del cuerpo— que por sus también notables obras escultóricas. Reaparece aquí, como en la arquitectura la tendencia helena a instituir una regla y después buscar las perfectas proporciones dentro de esta regla; así como el concepto de que un todo perfecto es la suma perfecta de partes perfectas.
Es necesario —afirma Polícleto— que la cabeza sea la séptima parte de la altura total de la figura, el pie dos veces la longitud de la palma de la mano mientras la pierna, desde el pie a la rodilla, deberá medir seis palmos, y la misma medida habrá también entre la rodilla y el centro del abdomen Para demostrar la exactitud de su canon esculpió una estatua que nos ha llegado en numerosas copias romanas: el Doríforo —es decir, el portador de lanza—, un joven, una vez más, completamente desnudo, que lleva con desenvoltura una ligera lanza en la mano."Galeno, De temperamentis (siglo II d.C.).
SOBRE LA ESCULTURA GRIEGA HELENÍSTICA: LAOCOONTE Y SUS HIJOS.
Laocoonte, sacerdote del templo de Neptuno situado en la ciudad de Troya, se esforzó baldíamente por convencer a sus compatriotas del engaño que suponía el caballo de madera. Y pese a que Neptuno más tarde favoreció a los troyanos, de las profundidades del mar salieron dos enormes serpientes que se enrollaron en los cuerpos de los dos hijos de Laocoonte y posteriormente en él mismo, hecho que provocó la incredulidad de las palabras del sacerdote cuyo presagio no había complacido a los dioses. La coincidencia entre el pasaje de la Eneida y la escultura de Laocoonte, obra, para algunos, del arte helenístico del siglo I a.C., ha hecho pensar a algunos investigadores que quizá Virgilio tuviera conocimiento de esta escultura y la tomara como punto de partida de su inspiración poética. Sea ello o no, las correspondencias entre el relato literario y el grupo escultórico son profundas y demuestran los paralelismos o influencias recíprocas entre ambas manifestaciones. Actino, Dionisio de Halicarnaso, Apolodoro, Servio, Higino, Macrobio, Petronio y Apolodoro de Rodas, entre otros, también han tratado en sus escritos aspectos del presente tema.
"Laocoonte, a quien la suerte había designado como sacerdote de Neptuno, estaba sacrificando en el altar un enorme toro. He aquí que desde la isla de Ténedos, por las aguas tranquilas y profundas (yo lo recuerdo con horror) y dos serpientes de gigantescos anillos se extienden pesadamente por el mar y al mismo tiempo se dirigen hacia la orilla; y, erguidos sus pechos sobre las aguas, sus crestas color de sangre dominan las olas. E1 resto de sus cuerpos se desliza lentamente sobre la superficie de las aguas, y su enorme mole arrastraba sus pliegues tortuosos. Resuena el espumoso mar; ya tocan tierra y, los ardientes ojos inyectados en sangre y fuego, con sus vibrantes lenguas lamían sus fauces silbantes.
Exangües ante lo que veíamos, huimos; pero ellas, con avance seguro, se dirigen a Laocoonte, y primero las serpientes se enroscan en los pequeños cuerpos de sus dos hijos y a mordiscos devoran los desdichados miembros; después, al ir el padre en su auxilio con las armas en la mano, le apresan y le estrujan con sus grandes nudos. Por dos veces enroscan su escamoso cuerpo alrededor de la cintura, dos veces también alrededor de su cuello, sobrándoles las cabezas y las colas. É1 intenta arrancar los nudos con sus manos; sus vendas se ven empapadas de baba y de negro veneno y lanza al cielo horrendos gritos; iguales mugidos lanza el toro herido cuando abandona el altar y sacude de su cerviz el hacha mal clavada. Y las dos serpientes huyen deslizándose hacia los altos templos; ganan rápidamente el santuario de la Tritonia y se esconden bajo los pies de la diosa, debajo de la redonda cavidad del escudo".
P. Virgilio.- La Eneida.- En: Varios autores. Fuentes y documentos para la Historia del Arte antiguo.Ed. Gustavo Gili. Barcelona 1982. Págs. 156.
"El origen de la escultura en Grecia está unido a un personaje legendario, "Dédalo", al que se le considera padre de las artes. "Es un ateniense, perteneciente a la familia real, que tiene su origen en Cécrope, prototipo del artista universal, arquitecto, escultor y pintor e inventor de recursos mecánicos. Se le atribuyen en la antigüedad las obras de arte arcáicas (...).
Así, se le atribuyen obras como la Dama de Auxerre, a la que se le califica de estilo Dedálico y que será el punto de arranque en el estudio de las Korai.
Ved aquí la verdad: Los escultores e imagineros de la época ejecutan los pies y las manos de manera simétrica y unidos al cuerpo. Sin embargo, Dédalo fue el primero que realizó una estatua con un pie en actitud de avanzar. Por esto la gente solía decir: "Dédalo no sólo ha conseguido que la estatua se aguante de pie, sino también que camine..."
En VVAA: Fuentes y documentos para la Historia del Arte. Gustavo Gili. Barcelona 1982. Págs 273-274.
Respecto de la primera figura (Kouros. Metropolitan Museum New York. Hacia el 600 a.c.) Mármol. Dice R. Wittkower :
“Los perfiles de una figura como ésta revelan la forma que tenía el bloque original. Frente a la obra ya terminada tenemos una seguridad aún mayor de que, mientras trabajaba en la parte anterior, en la posterior y en los lados, el escultor tuvo que orientarse en todo momento por las figuras que antes de empezar dibujara en el bloque : al enfrentarse a cada una de las caras de sus estatuas, el escultor griego de esta época razonaba como un delineante (...). La consecuencia es que la estatua tiene necesariamente cuatro vistas bien diferenciadas (...)
Una figura así está lejos de ser una obra realista en el sentido moderno de este término, pese a lo cual posee una asombrosa vitalidad, esta rebosante de la energía de la vida. Tiene además una superficie de calidades suaves y cálidas, casi aterciopeladas. Ello se debe no solamente a las características del mármol griego, sino también (...) a las infinitas muescas producidas por el puntero que, aunque luego se las suavice por medio de abrasivos, crean, por así decirlo, una serie de vibraciones bajo la superficie, que evocan la sensación de una piel palpitante”.
WITTKOWER,R : La escultura procesos y principios Alianza. Madrid 1987 (1977), pág 25
SOBRE EL "CANON" (más completo que el que podéis hallar en el libro de texto)"La belleza reside, no en la proporción de los elementos constituyentes, sino en la proporcionalidad de las partes, como entre un dedo y otro dedo, y entre todos los dedos y el metacarpo, entre el carpo y el antebrazo y entre el antebrazo y cl brazo, en realidad entre todas las partes entre si, como está escrito en cl Canon de Polícleto. Para enseñarnos en un tratado toda la proporción del cuerpo, Polícleto apoyó su teoría en una obra, haciendo la estatua de un hombre de acuerdo con los principios de su tratado y llamó a la estatua, como al tratado, Canon.
No por casualidad, uno de los maestros griegos de la época, el escultor Polícleto, se ganará el título de «grande» de sus contemporáneos más por el canon —el sistema de relaciones matemáticas establecido entre todas las partes del cuerpo— que por sus también notables obras escultóricas. Reaparece aquí, como en la arquitectura la tendencia helena a instituir una regla y después buscar las perfectas proporciones dentro de esta regla; así como el concepto de que un todo perfecto es la suma perfecta de partes perfectas.
Es necesario —afirma Polícleto— que la cabeza sea la séptima parte de la altura total de la figura, el pie dos veces la longitud de la palma de la mano mientras la pierna, desde el pie a la rodilla, deberá medir seis palmos, y la misma medida habrá también entre la rodilla y el centro del abdomen Para demostrar la exactitud de su canon esculpió una estatua que nos ha llegado en numerosas copias romanas: el Doríforo —es decir, el portador de lanza—, un joven, una vez más, completamente desnudo, que lleva con desenvoltura una ligera lanza en la mano."Galeno, De temperamentis (siglo II d.C.).
SOBRE LA ESCULTURA GRIEGA HELENÍSTICA: LAOCOONTE Y SUS HIJOS.
Laocoonte, sacerdote del templo de Neptuno situado en la ciudad de Troya, se esforzó baldíamente por convencer a sus compatriotas del engaño que suponía el caballo de madera. Y pese a que Neptuno más tarde favoreció a los troyanos, de las profundidades del mar salieron dos enormes serpientes que se enrollaron en los cuerpos de los dos hijos de Laocoonte y posteriormente en él mismo, hecho que provocó la incredulidad de las palabras del sacerdote cuyo presagio no había complacido a los dioses. La coincidencia entre el pasaje de la Eneida y la escultura de Laocoonte, obra, para algunos, del arte helenístico del siglo I a.C., ha hecho pensar a algunos investigadores que quizá Virgilio tuviera conocimiento de esta escultura y la tomara como punto de partida de su inspiración poética. Sea ello o no, las correspondencias entre el relato literario y el grupo escultórico son profundas y demuestran los paralelismos o influencias recíprocas entre ambas manifestaciones. Actino, Dionisio de Halicarnaso, Apolodoro, Servio, Higino, Macrobio, Petronio y Apolodoro de Rodas, entre otros, también han tratado en sus escritos aspectos del presente tema.
"Laocoonte, a quien la suerte había designado como sacerdote de Neptuno, estaba sacrificando en el altar un enorme toro. He aquí que desde la isla de Ténedos, por las aguas tranquilas y profundas (yo lo recuerdo con horror) y dos serpientes de gigantescos anillos se extienden pesadamente por el mar y al mismo tiempo se dirigen hacia la orilla; y, erguidos sus pechos sobre las aguas, sus crestas color de sangre dominan las olas. E1 resto de sus cuerpos se desliza lentamente sobre la superficie de las aguas, y su enorme mole arrastraba sus pliegues tortuosos. Resuena el espumoso mar; ya tocan tierra y, los ardientes ojos inyectados en sangre y fuego, con sus vibrantes lenguas lamían sus fauces silbantes.
Exangües ante lo que veíamos, huimos; pero ellas, con avance seguro, se dirigen a Laocoonte, y primero las serpientes se enroscan en los pequeños cuerpos de sus dos hijos y a mordiscos devoran los desdichados miembros; después, al ir el padre en su auxilio con las armas en la mano, le apresan y le estrujan con sus grandes nudos. Por dos veces enroscan su escamoso cuerpo alrededor de la cintura, dos veces también alrededor de su cuello, sobrándoles las cabezas y las colas. É1 intenta arrancar los nudos con sus manos; sus vendas se ven empapadas de baba y de negro veneno y lanza al cielo horrendos gritos; iguales mugidos lanza el toro herido cuando abandona el altar y sacude de su cerviz el hacha mal clavada. Y las dos serpientes huyen deslizándose hacia los altos templos; ganan rápidamente el santuario de la Tritonia y se esconden bajo los pies de la diosa, debajo de la redonda cavidad del escudo".
P. Virgilio.- La Eneida.- En: Varios autores. Fuentes y documentos para la Historia del Arte antiguo.Ed. Gustavo Gili. Barcelona 1982. Págs. 156.
LA ESCULTURA GRIEGA: MAPAS CONCEPTUALES
LA ESCULTURA GRIEGA
APROXIMACIÓN A LA ESCULTURA GRIEGA
Partiendo de lo hecho por los egipcios, los escultores griegos explorarán nuevas formas de expresión y representación plástica. El camino que ellos recorrieron se inicia en la época arcaica (s. VIII-VI a de C.) y culmina en la época clásica, durante el llamado "Siglo de Pericles" (S. V a de C.). Pero la escultura seguirá evolucionando hasta que Roma extienda su dominio por las tierras del Mediterráneo oriental, incorporando a los reinos helenísticos a su imperio. Este es el rasgo más característico de la escultura griega: el cambio, la exploración de nuevas formas de expresión, al amparo de su idealismo estético de raíz platónica.
Las dos imágenes que acompañan esta introducción así lo atestiguan ¿O no?
VER LA ESCULTURA GRIEGA, LA ETAPA HELENISTICA:
LA ESCULTURA GRIEGA EN LA ETAPA HELENÍSTICA (s. IV-I a de C.)
Se trata de un período de gran amplitud cronológica y geográfica, donde la tradición griega se impregnará e impregnará, a su vez, de la cultura de los territorios que formaron parte del Imperio de Alejandro Magno. Tradición clásica y orientalismo se fundirán para crear y expresar, a través del arte, una nueva concepción de la vida.
En el campo del arte se continúan las conquistas de la época clásica, pero dominadas por un profundo realismo. Se prefiere eldesequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas superficies fidíacas. El dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos. Lafealdad, a veces monstruosa, a la belleza clásica. Predominan lasobras barrocas, caracterizadas por un intenso movimiento y tensión, aunque algunos artistas repiten y conservan los ideales clásicos.
La variedad temática desborda los asuntos tradicionales de la estatuaria anterior (dioses, atletas, héroes, etc.). Los artistas se inspiran en la explosión de vida que les rodea. Sobresale, por su tratamiento realista y profundidad psicológica, el retrato, descarnado y sincero, sin idealización. Se trata de individualizar al retratado.
La diosa del amor (VENUS) consume gran parte de la inspiración artística. Destaca la “VENUS DE MILO”, por su clasicismo ecléctico. La divinidad aparece humanizada. No obstante, las afroditas helenísticas carecen, sin embargo, del tono majestuoso de la de Milo, presentándonos a la diosa en las más variadas actitudes.
Abandonando a los dioses como tema exclusivo, los escultores se entregan a la observación de personajes, acciones y gestos cotidianos. Los temas humildes o grotescos, pero expresivos. La vejez. Lo feo, como imperfección. La niñez. Todos estos temas habrían sido considerados indignos durante la época clásica.
Se mantiene el profundo interés por la anatomía que caracteriza al arte griego, desde un punto de vista técnico. La insistencia en delimitar cada uno de los músculos en tensión produce desnudos de claroscuro desconocido en la escultura griega. El relieve llega a emplear la perspectiva en los fondos para crear la ilusión de escenarios profundos.
Se pierde la unidad de estilo anterior y aparecen nuevos centros artísticos en los reinos helenísticos: Pérgamo Rodas, Alejandría, además de Atenas.
PRINCIPALES ESCUELA Y OBRAS MÁS REPRESENTATIVAS
ATENAS
Apolonio, que firma obras como el “Torso de Belvedere”, “Atleta sentado” o “Pugilista”, en bronce.
RODAS
“El coloso de Rodas” (desaparecido)
“La victoria de Samotracia”
“Grupo del Laoconte y sus hijos”, de Agesandro, Atenidoro y Polidoro.
“El toro Farnesio”, de Apolonio de Tralles.
PÉRGAMO
“Galo moribundo”
“La gigantomaquia”
ALEJANDRÍA
“El Nilo”
Se trata de un período de gran amplitud cronológica y geográfica, donde la tradición griega se impregnará e impregnará, a su vez, de la cultura de los territorios que formaron parte del Imperio de Alejandro Magno. Tradición clásica y orientalismo se fundirán para crear y expresar, a través del arte, una nueva concepción de la vida.
En el campo del arte se continúan las conquistas de la época clásica, pero dominadas por un profundo realismo. Se prefiere eldesequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas superficies fidíacas. El dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos. Lafealdad, a veces monstruosa, a la belleza clásica. Predominan lasobras barrocas, caracterizadas por un intenso movimiento y tensión, aunque algunos artistas repiten y conservan los ideales clásicos.
La variedad temática desborda los asuntos tradicionales de la estatuaria anterior (dioses, atletas, héroes, etc.). Los artistas se inspiran en la explosión de vida que les rodea. Sobresale, por su tratamiento realista y profundidad psicológica, el retrato, descarnado y sincero, sin idealización. Se trata de individualizar al retratado.
La diosa del amor (VENUS) consume gran parte de la inspiración artística. Destaca la “VENUS DE MILO”, por su clasicismo ecléctico. La divinidad aparece humanizada. No obstante, las afroditas helenísticas carecen, sin embargo, del tono majestuoso de la de Milo, presentándonos a la diosa en las más variadas actitudes.
Abandonando a los dioses como tema exclusivo, los escultores se entregan a la observación de personajes, acciones y gestos cotidianos. Los temas humildes o grotescos, pero expresivos. La vejez. Lo feo, como imperfección. La niñez. Todos estos temas habrían sido considerados indignos durante la época clásica.
Se mantiene el profundo interés por la anatomía que caracteriza al arte griego, desde un punto de vista técnico. La insistencia en delimitar cada uno de los músculos en tensión produce desnudos de claroscuro desconocido en la escultura griega. El relieve llega a emplear la perspectiva en los fondos para crear la ilusión de escenarios profundos.
Se pierde la unidad de estilo anterior y aparecen nuevos centros artísticos en los reinos helenísticos: Pérgamo Rodas, Alejandría, además de Atenas.
PRINCIPALES ESCUELA Y OBRAS MÁS REPRESENTATIVAS
ATENAS
Apolonio, que firma obras como el “Torso de Belvedere”, “Atleta sentado” o “Pugilista”, en bronce.
RODAS
“El coloso de Rodas” (desaparecido)
“La victoria de Samotracia”
“Grupo del Laoconte y sus hijos”, de Agesandro, Atenidoro y Polidoro.
“El toro Farnesio”, de Apolonio de Tralles.
PÉRGAMO
“Galo moribundo”
“La gigantomaquia”
ALEJANDRÍA
“El Nilo”
EL ARTE GRIEGO: LA ARQUITECTURA.
La presentación sobre la Arquitectura griega. En ella se examinan los fundamentos filosóficos y matemáticos de la edilicia griega, así como las características técnicas y formales de la misma. Especial atención merece todo lo relacionado con los órdenes arquitectónicos creados por los griegos. La presentación concluye con un repaso de las grandes creaciones arquitectónicas de Grecia.
En este enlace encontraras entre otros muchos hallazgos el número de oro!!!:
http://www.slideshare.net/tomperez/el-arte-griego-la-arquitectura?ref=http://tom-historiadelarte.blogspot.mx/search/label/ARTE%20GRIEGOEL TEMPLO GRIEGO, TIPOLOGIA:
LOS FUNDAMENTOS DE LA ARQUITECTURA GRIEGA
EL ARTE CLÁSICO: EL ARTE GRIEGO.
LA ARQUITECTURA GRIEGA: FUNDAMENTOS.
Nociones básicas:· Los griegos crean conjuntos proporcionados, equilibrados en sus proporciones.
· Se trata de una arquitectura (el templo) para ser vista, contemplada. Destacan, pues, los valores escultóricos y volumétricos del edificio. El edifico se concibe como una escultura.
· Para el artista griego la belleza es, ante todo, proporción y medida. La antítesis de la arquitectura egipcia o mesopotámica, caracterizada por el colosalismo y la desproporción. La arquitectura griega está concebida desde la dimensión humana, aunque pueda servir para honrar a los dioses. Es, por ello, anticolosal (antifaraónica podríamos decir).
· El modo en que estaban organizadas las polis griegas no facilitó el desarrollo de una arquitectura palaciega, aunque sí permitió el desarrollo de otros edificios de carácter civil o religioso: teatros, santuarios, gimnasios, etc., que combinan los ideales de belleza con soluciones prácticas de primer orden adecuadas a la vida ciudadana.
· El edificio fundamental y materialización de los ideales estéticos griegos es el Templo, concebido como residencia del dios, no como un lugar de oración o recogimiento para los fieles, de ahí que su concepción del espacio interior carezca de relevancia arquitectónica, lo que importa es la concepción del espacio exterior, su volumen.
· El urbanismo griego también tuvo una gran trascendencia. El plano Hipodámico u ortogonal será la gran creación racionalista del urbanismo clásico.
Sistemas constructivos· La arquitectura griega es adintelada o arquitrabada, de apariencia serena y equilibrada. Son las líneas horizontales y verticales las que proporcionan y determinan esta sensación de serenidad y equilibrio.
· La columna (stylo) es el elemento plástico característico; su tratamiento determina la creación de los tres órdenes arquitectónicos griegos.
· Los materiales constructivos utilizados fueron la piedra arenisca (caliza) y, en la época clásica, el mármol blanco del Pentélico.
· El aparejo de los muros se hace con sillares de tipo isódomo, perfectamente cortados y uniformes, dispuestos a soga y tizón, sin ningún tipo de argamasa.
· Las construcciones se policromaban, aunque en la actualidad aparezca el mármol desnudo en su apariencia.
· En los templos no hay dimensiones fijas, pero sí proporciones fijas entre los diferentes elementos constructivos. Es de eso de lo que hablamos al decir “Orden arquitectónico” (un conjunto de relaciones de proporción entre los diferentes elementos constitutivos). Lee el último documento sobre el número de oro.
La búsqueda del idealismo estético: recursos utilizados.La búsqueda de la armonía visual determinó la utilización de ciertos recursos técnicos que corregían las alteraciones ópticas que todo edificio produce al ser contemplado. Este idealismo estético, que carecía de sentido práctico, exige:
· La curvatura del entablamento y del estilóbato hacia arriba, para evitar el efecto de pandeo, de vencimiento por el centro.
· La inclinación de las columnas hacia adentro para impedir la sensación de caída, y así crear el llamado efecto piramidal.
· El éntasis (ensanchamiento) del fuste de las columnas, para reducir el efecto de concavidad que producen las columnas de lados rectos.
· La mayor anchura de las columnas de los lados (que se recortan nítidamente en el horizonte), para anular el achatamiento óptico que se produce en ese punto.
· Desigual distancia de los intercolumnios (espacio entre columnas).
· Todas estas alteraciones permitían corregir los defectos ópticos que perturban toda creación articulada sobre líneas horizontales y verticales, como era el templo griego.
El Templo griego· Los orígenes: el megarón prehelénico, construido de madera.
· Estructura: planta rectangular y eje longitudinal. Los templos de planta circular rodados de columnas, se denominan Tholos (eje centralizado).
· Disposición interior del templo: de una a tres naves. ); Pronao (vestíbulo abierto); Nao o cella (la capilla del dios) ; opistódomo (vestíbulo análogo en el lado opuesto, que podía servir para guardar el tesoro del dios).
· Ubicación: lugares aislados y de carácter sagrado.
· El culto se realizaba en el exterior, frente al pórtico principal del templo.
· El edificio solía estar levantado sobre un basamento escalonado o crepidoma, que contribuye a realzar el edificio sobre su entorno y enaltece su contemplación, además de aislarlo de la humedad del suelo.
· La fachada es el elemento principal del templo, donde se crean los llamados órdenes arquitectónicos.
Tipología del templo griego:
Según la disposición de las columnas del pórtico:
· In antis. Los pilares de los muros laterales sobresalen.
· Próstilo: columnas ante una sola de sus fachadas.
· Anfipróstilo: columnas ante las dos fachadas.
· Perípteros: las columnas rodean todo el edificio.
· Díptero: templo períptero con doble fila de columnas.
· Monóptero: circular.Según el número de columnas en su pórtico:
· Tetrástilo: cuatro columnas.
· Hexástilo: seis columnas.
· Octástilo: ocho columnas
Los órdenes arquitectónicos griegos El “orden” es la articulación de las partes fundamentales del edificio en una serie de elementos, dotados de función y formas determinados, unidos por reglas fijas de proporción.
EL ORIGEN MÍTICO DE LOS ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS GRIEGOS, SEGÚN VITRUBIO
· El orden dórico: visualización y lectura del texto. Orígenes, descripción y carácter.
« (Ión) conquistó el territorio de Caria y fundó allí ciudades grandiosas... Estas ciudades, después de haber expulsado a los carios y a los Lélegos, llamaron Jonia a esta parte de la tierra a partir del nombre de su jefe lón y, después de haber señalado recintos consagrados a los dioses inmortales, empezaron a edificar templos. El primer templo.. que vieron construido así estaba en una ciudad de los dorios. Como quisieron poner columnas en este templo y no tenían la medida de las proporciones, investigaron cómo hacerlas para que no sólo fuesen aptas para soportar la carga, sino que también fuesen de aspecto agradable por sus proporciones. Midieron la huella de un pie humano y la relacionaron con su altura. Cuando supieron que el pie era la sexta parte de la altura de un hombre, transfirieron esta relación a la columna. Hicieron la altura del fuste, incluido el capitel, seis veces mayor que la anchura de su base. Así fue cómo la columna dóríca aportó a los edificios las proporciones de un cuerpo varonil y su solidez y belleza». VITRUBIO, 4, 1, 4-6
· El orden jónico: visualización y lectura del texto. Orígenes, descripción y carácter.
«Cuando decidieron levantar un templo en honor de Diana, inventaron un nuevo estilo, dándole esbeltez al aplicar la misma proporción que para el estilo anterior, pero ahora la relacionaron con las pisadas de una mujer. Hicieron que la anchura de la columna fuera la octava parte de su altura, para que tuviera un aspecto más grácil. Después pusieron en su base un anillo a manera de calzado, y en el capitel colocaron como cabellera unos bucles rizados que le caían a derecha y a izquierda, y con ondas y guirnaldas adornaron la frente como si llevara flequillo. A lo largo de todo el fuste marcaron estrías como si fueran los pliegues de las estolas que llevan las matronas. Así hicieron el modelo de los dos estilos de columnas, uno de belleza severa, sin adornos, varonil, y el otro con la figura, la ornamentación y la proporción femenina... Y como los primeros que lo usaron fueron los jonios, se le llamó estilo jónico». VITRUVIO, 4, 1, 7-8
· El orden corintio: visualización y lectura del texto. Orígenes, descripción y carácter.
«El tercer estilo, llamado corintio, imita la esbeltez virginal, porque su forma recuerda los adornos más bellos de una doncella, representada con los miembros más esbeltos a causa de su tierna edad. Cuentan que el descubrimiento de este capitel fue así.- una doncella de Corinto, ya en edad de casarse, se puso enferma y murió .. Su nodriza cogió los juguetes con los que la muchacha jugaba cuando estaba viva, los colocó en un cestito y, llevándolo a su tumba, lo puso encima y, para que todo aquello se conservase más tiempo al aire libre, lo tapó todo con un ladrillo. Este cestito quedó colocado por casualidad encima de una raíz de acanto. Más tarde, la raíz de acanto, a pesar de tener encima este peso, en primavera sacó hojas y brotes, y estos brotes, creciendo por los lados del cestito y por los costados del ladrillo, doblaron por el peso en sus extremos superiores formando volutas». VITRUVIO, 4, 1, 8-9
LOS FUNDAMENTOS MATEMÁTICOS DEL IDEAL DE BELLEZA ARQUITECTÓNICO: EL NÚMERO DE ORO Y LA ARMONÍA.
El número de oro, sección áurea o proporción áurea es uno de los conceptos matemáticos relacionados con la naturaleza y con el arte. Se denomina con la letra griega (Phi), en memoria del escultor griego Fidias. Está presente en el crecimiento de las plantas, las piñas, la distribución de las hojas en un tallo, la formación de caracolas... y por supuesto en cualquier estudio armónico del arte. La sección áurea es la división armónica de una segmento en media y extrema razón. Es decir, que el segmento menor es al segmento mayor, como éste es a la totalidad. De esta manera se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea. El número áureo aparece, en las proporciones que guardan edificios, esculturas, objetos, partes de nuestro cuerpo. Un ejemplo de rectángulo áureo en el arte es el alzado del Partenón griego. En la figura se puede comprobar que AB/CD= . Hay más cocientes entre sus medidas que dan el número áureo, por ejemplo: AC/AD= y CD/CA=.
LA ARQUITECTURA GRIEGA: FUNDAMENTOS.
Nociones básicas:· Los griegos crean conjuntos proporcionados, equilibrados en sus proporciones.
· Se trata de una arquitectura (el templo) para ser vista, contemplada. Destacan, pues, los valores escultóricos y volumétricos del edificio. El edifico se concibe como una escultura.
· Para el artista griego la belleza es, ante todo, proporción y medida. La antítesis de la arquitectura egipcia o mesopotámica, caracterizada por el colosalismo y la desproporción. La arquitectura griega está concebida desde la dimensión humana, aunque pueda servir para honrar a los dioses. Es, por ello, anticolosal (antifaraónica podríamos decir).
· El modo en que estaban organizadas las polis griegas no facilitó el desarrollo de una arquitectura palaciega, aunque sí permitió el desarrollo de otros edificios de carácter civil o religioso: teatros, santuarios, gimnasios, etc., que combinan los ideales de belleza con soluciones prácticas de primer orden adecuadas a la vida ciudadana.
· El edificio fundamental y materialización de los ideales estéticos griegos es el Templo, concebido como residencia del dios, no como un lugar de oración o recogimiento para los fieles, de ahí que su concepción del espacio interior carezca de relevancia arquitectónica, lo que importa es la concepción del espacio exterior, su volumen.
· El urbanismo griego también tuvo una gran trascendencia. El plano Hipodámico u ortogonal será la gran creación racionalista del urbanismo clásico.
Sistemas constructivos· La arquitectura griega es adintelada o arquitrabada, de apariencia serena y equilibrada. Son las líneas horizontales y verticales las que proporcionan y determinan esta sensación de serenidad y equilibrio.
· La columna (stylo) es el elemento plástico característico; su tratamiento determina la creación de los tres órdenes arquitectónicos griegos.
· Los materiales constructivos utilizados fueron la piedra arenisca (caliza) y, en la época clásica, el mármol blanco del Pentélico.
· El aparejo de los muros se hace con sillares de tipo isódomo, perfectamente cortados y uniformes, dispuestos a soga y tizón, sin ningún tipo de argamasa.
· Las construcciones se policromaban, aunque en la actualidad aparezca el mármol desnudo en su apariencia.
· En los templos no hay dimensiones fijas, pero sí proporciones fijas entre los diferentes elementos constructivos. Es de eso de lo que hablamos al decir “Orden arquitectónico” (un conjunto de relaciones de proporción entre los diferentes elementos constitutivos). Lee el último documento sobre el número de oro.
La búsqueda del idealismo estético: recursos utilizados.La búsqueda de la armonía visual determinó la utilización de ciertos recursos técnicos que corregían las alteraciones ópticas que todo edificio produce al ser contemplado. Este idealismo estético, que carecía de sentido práctico, exige:
· La curvatura del entablamento y del estilóbato hacia arriba, para evitar el efecto de pandeo, de vencimiento por el centro.
· La inclinación de las columnas hacia adentro para impedir la sensación de caída, y así crear el llamado efecto piramidal.
· El éntasis (ensanchamiento) del fuste de las columnas, para reducir el efecto de concavidad que producen las columnas de lados rectos.
· La mayor anchura de las columnas de los lados (que se recortan nítidamente en el horizonte), para anular el achatamiento óptico que se produce en ese punto.
· Desigual distancia de los intercolumnios (espacio entre columnas).
· Todas estas alteraciones permitían corregir los defectos ópticos que perturban toda creación articulada sobre líneas horizontales y verticales, como era el templo griego.
El Templo griego· Los orígenes: el megarón prehelénico, construido de madera.
· Estructura: planta rectangular y eje longitudinal. Los templos de planta circular rodados de columnas, se denominan Tholos (eje centralizado).
· Disposición interior del templo: de una a tres naves. ); Pronao (vestíbulo abierto); Nao o cella (la capilla del dios) ; opistódomo (vestíbulo análogo en el lado opuesto, que podía servir para guardar el tesoro del dios).
· Ubicación: lugares aislados y de carácter sagrado.
· El culto se realizaba en el exterior, frente al pórtico principal del templo.
· El edificio solía estar levantado sobre un basamento escalonado o crepidoma, que contribuye a realzar el edificio sobre su entorno y enaltece su contemplación, además de aislarlo de la humedad del suelo.
· La fachada es el elemento principal del templo, donde se crean los llamados órdenes arquitectónicos.
Tipología del templo griego:
Según la disposición de las columnas del pórtico:
· In antis. Los pilares de los muros laterales sobresalen.
· Próstilo: columnas ante una sola de sus fachadas.
· Anfipróstilo: columnas ante las dos fachadas.
· Perípteros: las columnas rodean todo el edificio.
· Díptero: templo períptero con doble fila de columnas.
· Monóptero: circular.Según el número de columnas en su pórtico:
· Tetrástilo: cuatro columnas.
· Hexástilo: seis columnas.
· Octástilo: ocho columnas
Los órdenes arquitectónicos griegos El “orden” es la articulación de las partes fundamentales del edificio en una serie de elementos, dotados de función y formas determinados, unidos por reglas fijas de proporción.
EL ORIGEN MÍTICO DE LOS ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS GRIEGOS, SEGÚN VITRUBIO
· El orden dórico: visualización y lectura del texto. Orígenes, descripción y carácter.
« (Ión) conquistó el territorio de Caria y fundó allí ciudades grandiosas... Estas ciudades, después de haber expulsado a los carios y a los Lélegos, llamaron Jonia a esta parte de la tierra a partir del nombre de su jefe lón y, después de haber señalado recintos consagrados a los dioses inmortales, empezaron a edificar templos. El primer templo.. que vieron construido así estaba en una ciudad de los dorios. Como quisieron poner columnas en este templo y no tenían la medida de las proporciones, investigaron cómo hacerlas para que no sólo fuesen aptas para soportar la carga, sino que también fuesen de aspecto agradable por sus proporciones. Midieron la huella de un pie humano y la relacionaron con su altura. Cuando supieron que el pie era la sexta parte de la altura de un hombre, transfirieron esta relación a la columna. Hicieron la altura del fuste, incluido el capitel, seis veces mayor que la anchura de su base. Así fue cómo la columna dóríca aportó a los edificios las proporciones de un cuerpo varonil y su solidez y belleza». VITRUBIO, 4, 1, 4-6
· El orden jónico: visualización y lectura del texto. Orígenes, descripción y carácter.
«Cuando decidieron levantar un templo en honor de Diana, inventaron un nuevo estilo, dándole esbeltez al aplicar la misma proporción que para el estilo anterior, pero ahora la relacionaron con las pisadas de una mujer. Hicieron que la anchura de la columna fuera la octava parte de su altura, para que tuviera un aspecto más grácil. Después pusieron en su base un anillo a manera de calzado, y en el capitel colocaron como cabellera unos bucles rizados que le caían a derecha y a izquierda, y con ondas y guirnaldas adornaron la frente como si llevara flequillo. A lo largo de todo el fuste marcaron estrías como si fueran los pliegues de las estolas que llevan las matronas. Así hicieron el modelo de los dos estilos de columnas, uno de belleza severa, sin adornos, varonil, y el otro con la figura, la ornamentación y la proporción femenina... Y como los primeros que lo usaron fueron los jonios, se le llamó estilo jónico». VITRUVIO, 4, 1, 7-8
· El orden corintio: visualización y lectura del texto. Orígenes, descripción y carácter.
«El tercer estilo, llamado corintio, imita la esbeltez virginal, porque su forma recuerda los adornos más bellos de una doncella, representada con los miembros más esbeltos a causa de su tierna edad. Cuentan que el descubrimiento de este capitel fue así.- una doncella de Corinto, ya en edad de casarse, se puso enferma y murió .. Su nodriza cogió los juguetes con los que la muchacha jugaba cuando estaba viva, los colocó en un cestito y, llevándolo a su tumba, lo puso encima y, para que todo aquello se conservase más tiempo al aire libre, lo tapó todo con un ladrillo. Este cestito quedó colocado por casualidad encima de una raíz de acanto. Más tarde, la raíz de acanto, a pesar de tener encima este peso, en primavera sacó hojas y brotes, y estos brotes, creciendo por los lados del cestito y por los costados del ladrillo, doblaron por el peso en sus extremos superiores formando volutas». VITRUVIO, 4, 1, 8-9
LOS FUNDAMENTOS MATEMÁTICOS DEL IDEAL DE BELLEZA ARQUITECTÓNICO: EL NÚMERO DE ORO Y LA ARMONÍA.
El número de oro, sección áurea o proporción áurea es uno de los conceptos matemáticos relacionados con la naturaleza y con el arte. Se denomina con la letra griega (Phi), en memoria del escultor griego Fidias. Está presente en el crecimiento de las plantas, las piñas, la distribución de las hojas en un tallo, la formación de caracolas... y por supuesto en cualquier estudio armónico del arte. La sección áurea es la división armónica de una segmento en media y extrema razón. Es decir, que el segmento menor es al segmento mayor, como éste es a la totalidad. De esta manera se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea. El número áureo aparece, en las proporciones que guardan edificios, esculturas, objetos, partes de nuestro cuerpo. Un ejemplo de rectángulo áureo en el arte es el alzado del Partenón griego. En la figura se puede comprobar que AB/CD= . Hay más cocientes entre sus medidas que dan el número áureo, por ejemplo: AC/AD= y CD/CA=.
EL URBANISMO EN LAS ANTIGUAS POLIS GRIEGAS.
Plano de la ciudad de Mileto
EL URBANISMO GRIEGO
El urbanismo de las ciudades griegas estuvo condicionado por tres factores:
a. El carácter independiente de la Polis (ciudad-estado).
b. La accidetantada topografía de la Hélade.
c. El desarrollo de la democracia en Atenas y la primacía del ciudadano frente a la autoridad.
Los antecedentes
El comienzo del urbanismo griego puede hallarse en las ciudades minoico-micénicas, siendo las características de éstas:
· Son mucho más irregulares que las mesopotámicas, no habiendo grandes avenidas
· Se sitúan en lugares accidentados, adaptándose a la topografía
· Las ciudades se encuentran amuralladas
· Es una civilización más elevada y libre que la de Mesopotamia. El rey pierde su carácter divino, encontrándose el palacio en la plaza y no aislado
· Ejemplos: Tirinto y Micenas
La Polis democrática
La polis democrática o ciudad-estado es la base de la organización política y social griega. Al principio se situaban en una colina para defenderse del enemigo bajando posteriormente a la llanura y amurallándola. Con el tiempo, la ciudad quedará dividida endos áreas diferenciadas:
· Alta: la acrópolis o ciudad vieja. Es el lugar donde se sitúan los templos y la última línea defensiva. Es la zona sagrada de la polis, divisable desde la lejanía del mar o la llanura por su posición elevada sobre el territorio.
· Baja: donde se desarrollan las actividades comerciales y las relaciones sociales; es el espacio propio de la vida ciudadana. En ella se ubican los principales espacios y edificios públicos y las viviendas privadas. Podemos destacar los siguientes:
· El hogar común: antes era el palacio del rey y se denominaba pritaneo. Estaba consagrado al dios protector de la ciudad, donde se hacían los sacrificios y banquetes rituales y donde se recibía a los huéspedes extranjeros.
· Bouleterion: era una sala cubierta que servía para que se reuniese el consejo de los nobles o de los representantes de la asamblea de los ciudadanos.
· Ágora: lugar de reunión de la asamblea de los ciudadanos que estaba situada, normalmente, en la plaza del mercado. En torno a ella se van desarrollando otras edificaciones orientadas al disfrute de los ciudadanos: estadios para el deporte y juegos, teatros, etc. La democracia no facilitará el desarrollo de edificios palaciegos para residencia del poder político.
La ciudad-estado tenía una población reducida, debiendo tener la suficiente para formar un ejército pero no demasiada para el buen funcionamiento del sistema democrático (Ágora) y conocimiento entre los ciudadanos para elegir a los representantes en la Asamblea. Podemos resumir sus características en: la ciudad es un todo único; no existían zonas cerradas o independientes; las viviendas eran todas del mismo tipo, aunque no del mismo tamaño. No existían barrios diferenciados por clases sociales. Se distribuían libremente, sin una ordenación especial, por lo que su aspecto era desordenado e irregular. Las calles tenían un trazado irregular, eran estrechas y se consideraban un lugar de tránsito y no de encuentro, pues para eso estaba el ágora.
La ciudad en su conjunto formaba un organismo artificial inserto en el ambiente natural y unido a él por una cuidada relación, por lo que muchos espacios se dejaban intactos. El organismo de la ciudad se desarrollaba con el tiempo. Cuando la ciudad alcanzaba una cierta dimensión, ya no crecía más y se creaban nuevas ciudades (neópolis). Otras veces se creaba una colonia en otro país, y en muchos casos su trazado ya se hacía con criterios más racionales, ortogonales.
El Urbanismo Hipodámico:
Hipódamo de Mileto, filósofo y geómetra, es el primer urbanista con criterio científico conocido. Proyectó la reconstrucción de la ciudad de Mileto en el 475 a. de C., tras la destrucción de la misma por los persas. Se le asigna la creación de la ciudad en cuadrícula (trazado ortogonal) que se extendió durante la colonización. Las calles son perpendiculares, creando una parrilla rectangular con calles estrechas (las principales menores de 10 metros y las secundarias menores de 5 metros) y con el perímetro sin formar figura regular, extendiéndose hasta los obstáculos naturales. La línea de murallas sigue las cotas mejor defendibles. Este modelo apuesta por la integración del urbanismo y la política en un espacio racionalmente concebido (geometría), para favorecer el desarrollo de una sociedad igualitaria. Servirá de ejemplo en la construcción de ciudades posteriores.
Ejemplos: Rodas, Mileto, Olinto
Como conclusión, podemos decir que esta preocupación por ordenar y construir un espacio al servicio del ciudadano (antropocentrismo), teniendo en cuenta la escala constructiva (anticolosalismo) y las dimensiones de los edificios, así como las relaciones de éstos con el espacio exterior (entorno), nos permite afirmar que el urbanismo, como ciencia capaz de ordenar racionalmente el desarrollo de la ciudad, nacio en la antigua Grecia. Su influencia se dejará sentir en épocas posteriores y llegará hasta la actualidad.
Una excelente presentación del profesor Alfredo García sobre la reconstrucción llevada a Cabo en la antigua Atenas en el s. V a. de C., después de las Guerras Médicas.
EL ARTE GRIEGO: FUNDAMENTOS IDEOLÓGICOS Y CULTURALES
Estimados alumnos: es seguro que en Historia de la Filosofía ya andéis indagando acerca del pensamiento de Platón y que, en ese caso, os será más fácil entender la naturaleza del arte creado por aquellos a los que los romanos llamaron "griegos". Los textos que, a continuación, se os proponen no son más que una breve aproximación a los planteamientos platónicos en torno a ideas como la "belleza", la "verdad", etc. Si el arte puede ser considerado, entre otras cosas, una creación intelectual que va más allá de la mera representación visual de la Naturaleza, será en el arte griego donde este aspecto alcance una de sus cimas. Que la lectura os sea de provecho.
"Platón en su teoría de las Ideas, establece las bases de una concepción metafísica de la belleza, al incluirla, junto con la Verdad, la Bondad y las demás Ideas esenciales, en el mundo de los principios divinos (...). En cuanto a la Belleza, su resplandor deslumbraba, como ya hemos dicho, entre todas aquellas visiones celestiales.
(...) El hombre que ha sido recientemente iniciado o que durante mucho tiempo gozó de las contemplaciones celestes, cuando reconoce en un rostro hermoso una bella imagen de la divina belleza o, en un cuerpo, reminiscencias de esta misma belleza, comienza a estremecerse, sintiendo renacer en él algunas de aquellas mismas emociones que experimentó en pasados éxtasis (...)
_ Ningún hombre lo ignora.
- No ignora, ¿qué?- Que privado de medida y proporción, toda mezcla, sea cual sea, y de cualquier manera que esté compuesta, corrompe a sus componentes y se corrompe ella la primera, porque entonces ya no es una mezcla, no es más que una mezcolanza, una miseria para los seres en que se produce." YARZA Et.alt : Fuentes y documentos para la Historia del arte. Vol I, pág 182
"¿Qué es lo que te impresiona cuando al mirar una cosa sientes interés, atracción, desbordante placer? La opinión general, atreveríame a decir, es que la relación de las partes entre sí y de aquéllas con el conjunto constituye la belleza sensible; es decir, que la belleza de las cosas que vemos, como la belleza de todo lo demás, se compone de simetría y proporción. Según este criterio, nada simple y desprovisto de partes puede ser bello, sólo un compuesto." PLOTINO.
Si los fundamentos ideológicos son importantes, no lo es menos su contextualización en el marco de una civilización, la helénica, que es una de las bases de la cultura occidental.
"Platón en su teoría de las Ideas, establece las bases de una concepción metafísica de la belleza, al incluirla, junto con la Verdad, la Bondad y las demás Ideas esenciales, en el mundo de los principios divinos (...). En cuanto a la Belleza, su resplandor deslumbraba, como ya hemos dicho, entre todas aquellas visiones celestiales.
(...) El hombre que ha sido recientemente iniciado o que durante mucho tiempo gozó de las contemplaciones celestes, cuando reconoce en un rostro hermoso una bella imagen de la divina belleza o, en un cuerpo, reminiscencias de esta misma belleza, comienza a estremecerse, sintiendo renacer en él algunas de aquellas mismas emociones que experimentó en pasados éxtasis (...)
_ Ningún hombre lo ignora.
- No ignora, ¿qué?- Que privado de medida y proporción, toda mezcla, sea cual sea, y de cualquier manera que esté compuesta, corrompe a sus componentes y se corrompe ella la primera, porque entonces ya no es una mezcla, no es más que una mezcolanza, una miseria para los seres en que se produce." YARZA Et.alt : Fuentes y documentos para la Historia del arte. Vol I, pág 182
"¿Qué es lo que te impresiona cuando al mirar una cosa sientes interés, atracción, desbordante placer? La opinión general, atreveríame a decir, es que la relación de las partes entre sí y de aquéllas con el conjunto constituye la belleza sensible; es decir, que la belleza de las cosas que vemos, como la belleza de todo lo demás, se compone de simetría y proporción. Según este criterio, nada simple y desprovisto de partes puede ser bello, sólo un compuesto." PLOTINO.
Si los fundamentos ideológicos son importantes, no lo es menos su contextualización en el marco de una civilización, la helénica, que es una de las bases de la cultura occidental.
EL ARTE GRIEGO INTRODUCCIÓN HISTÓRICA:
Mapa visual del contexto histórico y los fundamentos del arte griego (visto en clase)
Y una explicación del mismo:
EL ARTE CLÁSICO: EL ARTE GRIEGO.
EL CONTEXTO HISTÓRICO Y LOS FACTORES CONDICIONANTES DEL ARTE GRIEGO
Introducción.
El “arte clásico” es un concepto de la Historia del Arte que nos remite a la antigüedad, época en la que se forjaron las bases formales y estéticas del arte occidental. Unos ideales a los que se volverá, de forma recurrente, en diferentes momentos de la historia, como comprobaremos a lo largo del curso.
Pero quizás deberíamos plantearnos primero la siguiente pregunta: ¿qué entendemos por “clasicismo”? ¿Algo pasado de moda? ¿algo que representa un ejemplo o paradigma de perfección? ¿la encarnación de un ideal?. Es seguro que la mayoría de vosotros habéis utilizado alguna vez este término en vuestras conversaciones referidas a la moda…o a cualquier otra circunstancia. El término “clásico” se utiliza con mucha frecuencia, pero en la Historia del Arte sólo hay un arte clásico, y éste nació y se formó en la antigua Grecia y tuvo su continuación en la época del Imperio Romano. De su gestación y culminación nos vamos a ocupar en este tema, pero antes es necesario abordar aquellos factores que, desde diferentes ámbitos, condicionaron y determinaron su desarrollo.
El tiempo histórico
Lo primero será precisar los límites cronológicos, es decir, el espacio temporal por que discurre el proceso de formación y la culminación del arte clásico. Si nos referimos primero al arte griego (del arte romano nos ocuparemos más adelante), es necesario utilizar la misma periodización que se sigue para el estudio de su historia. De este modo, tendríamos:
· El período arcaico: s. VIII-VI a. de C.
· El período clásico: s. V-IV a. de C.
· El período helenístico: s. IV-II a de C.
El período arcaico es una época de formación, de tanteo y concreción de algunas de las formas que culminarán en la siguiente etapa. En estos primeros tiempos afloran y se perfeccionan, sobre el sustrato propio, las diferentes influencias que concurren en el arte griego: la de la civilización cretense, la civilización Micénica y, sobre todo, las grandes civilizaciones orientales, especialmente la egipcia. Es una época en la que el arte evoluciona desde el geometrismo y la abstracción hacia el naturalismo expresivo.
El período clásico representa la culminación y perfeccionamiento de todas las manifestaciones artísticas griegas, tanto a nivel formal como técnico. Esta plenitud coincide, y no por casualidad, con el apogeo político, económico y cultural de las “Polis” griegas, en especial Atenas. En estos años nace la “Democracia” como forma de organización política del Estado. El siglo V a. de C. es el verdadero siglo de oro de la cultura griega. La decadencia política de las polis a lo largo del s. IV a. de C., consecuencia directa de las guerras del Peloponeso, marca un cambio fundamental en el arte, que evoluciona hacia nuevas formas de expresión.
El período helenístico supone una profunda transformación de la civilización y la cultura griega. El imperio creado por Alejandro Magno (336-323 a de C.) hará posible la difusión de la cultura griega por un espacio geográfico que desbordó los estrechos límites de la época clásica. Con la cultura griega viajaron las formas artísticas y las soluciones técnicas ideadas por los griegos que, a partir de ese momento, se convirtieron en el referente estético indiscutible en toda la cuenca mediterránea. Para muchos historiadores esta etapa está ya fuera de los límites cronológicos del arte griego, por considerar que sus resultados estéticos son distintos del arte griego clásico.
El ámbito geográfico
Aunque los límites temporales son relativamente restringidos, los geográficos aparecen, por el contrario, notablemente amplios. Los griegos (o Helenos, como ellos se llamaban así mismos, es decir, habitantes de “Helas” o la “Hélade”) nunca constituyeron una nación o estado unitario en el sentido moderno del término. Se trataba más bien de un conjunto de tribus que tenían en común la lengua, la creencia en unos mismos dioses y mitos ancestrales, así como unos mismos antepasados. Es decir, compartían una misma cultura. Nunca llegaron a constituir un estado homogéneo y siempre estuvieron organizados políticamente en “Polis” o “Ciudades-Estado” independientes entre sí y, a menudo, rivalizando entre ellas en continuas guerras. De entre las muchas polis griegas destacaremos, por diferentes razones, a Atenas, Esparta, Corinto, Tebas, Éfeso, etc.
Su origen histórico se remonta a los grandes movimientos de pueblos que se produjeron en la llamada Edad del Bronce (entre el I-II milenio antes de nuestra era). Las llamadas invasiones indoeuropeas trajeron a la Península Balcánica a estas tribus, los “Aqueos”. Pero pronto empezaron a sentirse estrechos en el rudo, montañoso y difícil medio físico de esas tierras rodeadas por el mar y fragmentadas, además de las tierras continentales, en más de 8.000 islas. La vocación marinera y viajera de este pueblo, además de otras circunstancias, determinaron un amplio movimiento migratorio a lo largo y ancho del Mar Mediterráneo. Muchas de las polis griegas fundaron “colonias” en las dos orillas de este mar a partir del s. VIII a de C., por las costas meridionales de la Península Itálica y en la isla de Sicilia, a la que llamaron la “Magna Grecia”; a lo largo de las costas de la Península Ibérica, de Asia Menor (la actual Turquía), en las costas de la actual Francia, por el norte de África…incluso en las costas del Mar Negro. Muchas de las más antiguas ciudades de estos territorios deben su origen a aquellas primeras colonias griegas. En estos lugares los griegos implantaron su civilización, que allí floreció de forma extraordinaria, a veces mejor que en la madre patria (las Metrópolis fundadoras…). De tal manera, que al hablar de la civilización griega no nos estamos refiriendo al reducido ámbito geográfico de la actual Grecia, sino al amplio, diverso y rico mundo de la “civilización griega”, que extendió su lengua, sus mitos, sus dioses….su modo de vida, en definitiva, a lejanas tierras, convirtiendo a la cuenca mediterránea en el verdadero crisol de la civilización clásica. El resultado es, sin embargo, una civilización con caracteres y resultados unitarios. Y es el arte el mejor testimonio de ese pasado griego. Hoy, cuando viajamos, podemos encontrar un templo griego en la isla de Sicilia, un teatro en las costas de Turquía, o restos de la bella ciudad de Alejandría, en Egipto. Todos ellos son el mejor testimonio de aquella civilización que legó a la Humanidad un ideal de belleza que hoy, casi veinticinco siglos después, seguimos considerando clásico.
Las claves de la civilización griega
Ya hemos dicho antes que los griegos nunca constituyeron un estado unitario; se trataba, más bien, de una comunidad de hombres libres, de una “Comunidad de Ciudadanos”. La libertad y la independencia individual son la base de esta sociedad. La igualdad de derechos (la isonomía) entre los hombres libres, los únicos ciudadanos, constituye uno de los pilares sobre los que se construye el gobierno del pueblo, la Democracia. El individuo, consciente de su valor, se convierte en el eje de su cultura. Por ello, la cultura griega es una “cultura antropocéntrica”, donde, como diría Protágoras, “El Hombre es la medida de todas las cosas”. Este individualismo se traslada al ámbito artístico, donde el artista se convierte en un hombre consciente de su propia valía y genio creador; su obra aparece como una creación libre y cobra fama a través de los tiempos. Fidias, Praxíteles o Polícleto no son sólo nombres, son la encarnación del ideal clásico de belleza, individuos concretos, artistas en definitiva.
Otro aspecto clave de la civilización griega lo constituye su rica mitología y su religión. En la mitología mediterránea los antiguos dioses eran manifestaciones de las fuerzas de la naturaleza, encarnación de las fuerzas que regían los destinos del hombre y determinaban el ciclo de la vida y la muerte. Estos viejos dioses serán desplazados y su lugar lo ocuparán unos nuevos dioses que sienten y actúan como humanos, pero frente a los cuales el hombre puede actuar con libertad. Estos dioses representan una religiosidad humanizada. No estaba regida por una casta sacerdotal. Todo hombre libre podía convertirse en sacerdote; toda persona inspirada por las musas podía cantar a los dioses y a sus hazañas. Su poder no podía regir la vida espiritual de los ciudadanos griegos. La Mitología griega será, además, la principal fuente de inspiración para los artistas y determinará, sobre todo en la época arcaica y clásica, la iconografía y los temas a tratar. La mitología es el vínculo entre todos los griegos; las hazañas e historias que entrelazan la vida de estos dioses jóvenes, bellos y eternos, y de los héroes, estaban impregnadas de individualidad y sus comportamientos, raramente ejemplares, eran tan humanos como los de los propios hombres. Si en la Biblia se dice que dios creó al hombre a su imagen y semejanza, podemos afirmar que los hombres griegos crearon a los dioses a su imagen y semejanza; y ahí reside la radical diferencia entre su religiosidad y la de las grandes civilizaciones orientales o la que impondrá, posteriormente, el cristianismo. Serán, por tanto, los dioses y sus hazañas, los que servirán de cauce para expresar el ideal clásico de belleza forjado por los griegos.
Por último, otro de los factores claves de la civilización griego fue la posibilidad de ejercer con libertad la tarea de pensar; dicho de otro modo: la libertad de pensamiento. A diferencia de las civilizaciones anteriores, que contemplaban la naturaleza como un conjunto de fenómenos inconexos, los griegos llegaron al convencimiento de que la naturaleza constituye una unidad regida por leyes que pueden ser conocidas. El razonamiento, la observación y la experiencia son los instrumentos que permiten conocer los fundamentos de la realidad. La filosofía y la ciencia, en sus múltiples campos de estudios, nacen entonces desde la racionalidad humana, desde su capacidad para pensar y observar el mundo. En el s. VI a de C. Pitágoras, creyó encontrar en el número, en las matemáticas, la clave ordenadora del mundo. La armonía y la proporción que se descubren tras la misteriosa aritmética del cosmos será la base del ideal de belleza clásico.
LA ESCULTURA GRIEGA O ALUCINANDO EN COLORES
Alfredo Rivero Rodríguez, colega en la enseñanza de la Historia del Arte, ha presentado en su blog HISTORIARTE una extraordinaria entrada (Policromía en la estatuaria clásica) sobre la escultura griega. Me permitirá, y nos permitirá a todos, disfrutar de las imágenes y de sus sabios comentarios, que paso a transcribir sin más demora:"Es curioso como la imágen que tradicionalmente se asocia a la estatuaria clásica en general y a la griega en particular, es la de una piedra caliza o la de un mármol blanco. Esta idea se consolidó a partir de las excavaciones que se realizaron ya desde el neoclasicismo, estilo éste, que más que copiar la antigüedad clásica la recrea y contribuye poderosamente a asociar esa imágen sin policromia del arte clásico.
Bien, la realidad fue otra y tanto los templos como las esculturas solían estar policromadas. Tan acostumbrados estamos a la imágen tradicional de la estatuaria clásica sin policromía que resulta "raro" verlas policromadas.
En 2007 el El Museo Nacional de Arqueología de Atenas presentó una exposición de réplicas de 21 estatuas clásicas. La idea fue lanzada por el Museo de Esculturas (Gliptoteca) de Múnich (Alemania) tras más de una década de investigación y la exposición, titulada 'Dioses en color', ha sido presentada en otras capitales europeas desde 2004.
La Universidad de Múnich necesitó 17 años para completar un estudio basado en el arte de la manera en que los griegos de la Antigüedad pintaban las estatuas de mármol."
Paris, héroe de la guerra de Troya.
Atenea Lemnia
Apolo Parnopios, Fidias
Kore del Peplo
Apolo Parnopios de nuevo, Fidias
Augusto de Prima Porta. Escultura Romana
Retrato del emperador CalígulaEspero que las imágenes contribuyan a clarificar "nuestra visión" del arte clásico. No obstante, convendría que no cayésemos en el desánimo si las imágenes resultan demasiado....estridentes para nuestro gusto!
LAS CURVAS DEL MÁRMOL. PRAXÍTELES Y EL CLASICISMO TARDÍO.
Afrodita de Cnido. Copia romana en mármol
LAS CURVAS DEL MÁRMOLPraxíteles, cuya vida como la de la mayoría de los artistas griegos está bastante teñida de fantasía, es conocido como el primer escultor en realizar un desnudo femenino, la Afrodita de Cnido. El hecho no es anecdótico porque los griegos habían representado el cuerpo masculino desnudo desde sus primeras esculturas arcaicas, pero el femenino había aparecido siempre cubierto de ropa, aunque a finales del siglo V estos ropajes desnudaran más que cubrieran.
La aparición del desnudo femenino implicaba un cambio de mentalidad y un ideal cultural que pasaba de ser representado por el atleta, viril, encarnación de los valores cívicos de la polis -entre los cuales la guerra, que en la cultura griega era concebida en términos civilizadores-, a un ideal humano afeminado, para el cual los valores del arte y del pensamiento cuentan más que los atléticos. Praxíteles prefería la escultura en mármol al bronce más propio del siglo V, e incluso su concepción del modelado, muy sutil, con suaves pasajes de la oscuridad a la luz, llevó a que algunas de sus esculturas estuvieran policromadas por Nicias, un famoso pintor.
Praxíteles parte del clasicismo pero apunta al helenismo. En el siglo V antes de Cristo, Polícleto, autor del Doríforo, una escultura que dominó todo el siglo, como el Hermes de Praxíteles lo haría en el siglo IV, escribió un libro, el Kanon o Regla, donde establecía las relaciones de proporción mutua entre las diferentes partes del cuerpo humano, normativas y matemáticas, introduciendo un naturalismo idealizado que buscaba conciliar la observación de la naturaleza con un ideal de belleza, el del atleta fuerte y maduro. Praxíteles une también la observación de la naturaleza con el ideal de belleza, pero no le interesa el atletismo con todo lo que conlleva. Sus dioses son jóvenes y esbeltos, animados de un movimiento ondulante y sensual que sería conocido en la posterior historia del arte como "curva praxiteliana", una línea que recorre todo el cuerpo dotándolo de un ritmo flexible. Incluso Apolo, el dios representado por Fidias potente y bello, es presentado por Praxíteles en el Apolo Sauróctono como un adolescente sin musculatura y en una actitud juguetona, apoyado en un tronco de árbol mientras persigue una lagartija con una flecha. Para Praxíteles los dioses ya no son encarnaciones místicas de fuerzas abstractas sino seres con intensidad y humanidad.
Los ideales de la polis del siglo V habían caído en descrédito y una época de mayor ambigüedad, que comenzaba a descubrir el individualismo y el placer estaba en ciernes. Praxíteles es no solamente un gran escultor, sino también un verdadero innovador que plasmó en sus obras una nueva visión del arte y de la vida.
Este artículo está firmado por Estela Ocampo, profesora de Teoría del Arte en la UPF.
Publicado en el diario EL PAÍS (21.03.2007)
La aparición del desnudo femenino implicaba un cambio de mentalidad y un ideal cultural que pasaba de ser representado por el atleta, viril, encarnación de los valores cívicos de la polis -entre los cuales la guerra, que en la cultura griega era concebida en términos civilizadores-, a un ideal humano afeminado, para el cual los valores del arte y del pensamiento cuentan más que los atléticos. Praxíteles prefería la escultura en mármol al bronce más propio del siglo V, e incluso su concepción del modelado, muy sutil, con suaves pasajes de la oscuridad a la luz, llevó a que algunas de sus esculturas estuvieran policromadas por Nicias, un famoso pintor.
Praxíteles parte del clasicismo pero apunta al helenismo. En el siglo V antes de Cristo, Polícleto, autor del Doríforo, una escultura que dominó todo el siglo, como el Hermes de Praxíteles lo haría en el siglo IV, escribió un libro, el Kanon o Regla, donde establecía las relaciones de proporción mutua entre las diferentes partes del cuerpo humano, normativas y matemáticas, introduciendo un naturalismo idealizado que buscaba conciliar la observación de la naturaleza con un ideal de belleza, el del atleta fuerte y maduro. Praxíteles une también la observación de la naturaleza con el ideal de belleza, pero no le interesa el atletismo con todo lo que conlleva. Sus dioses son jóvenes y esbeltos, animados de un movimiento ondulante y sensual que sería conocido en la posterior historia del arte como "curva praxiteliana", una línea que recorre todo el cuerpo dotándolo de un ritmo flexible. Incluso Apolo, el dios representado por Fidias potente y bello, es presentado por Praxíteles en el Apolo Sauróctono como un adolescente sin musculatura y en una actitud juguetona, apoyado en un tronco de árbol mientras persigue una lagartija con una flecha. Para Praxíteles los dioses ya no son encarnaciones místicas de fuerzas abstractas sino seres con intensidad y humanidad.
Los ideales de la polis del siglo V habían caído en descrédito y una época de mayor ambigüedad, que comenzaba a descubrir el individualismo y el placer estaba en ciernes. Praxíteles es no solamente un gran escultor, sino también un verdadero innovador que plasmó en sus obras una nueva visión del arte y de la vida.
Este artículo está firmado por Estela Ocampo, profesora de Teoría del Arte en la UPF.
Publicado en el diario EL PAÍS (21.03.2007)
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